Endon: An Interview with Taichi Nagura

This interview was originally conducted in Japanese then translated in to English, the original Japanese interview can be found below the translated interview.

Since 2007, Tokyo, Japan’s ENDON have been pioneering a new wave of extreme music. Started "to bring a decisive rally on contemporary extreme music,” their music is both relentlessly harsh and extremely elegant. They have carved a space for themselves in a country with arguably the richest history of extreme and experimental music, and spearhead numerous cross-genre events across Tokyo. In 2020, the band tragically experienced the loss of their dear friend and member, Etsuo Nagura. In 2024, six years since their last album, the longest period between releases for them to date, the supergroup put forth Fall of Spring, potentially their best album yet and a deeply emotional work of art. I had the privilege of speaking with their vocalist, Taichi Nagura, about their work, the Japanese music scene, and their newest album.

ENDON at Leave Them All Behind 2023, by Toshimura

Please introduce yourself.

Taichi Nagura: My name is Taichi Nagura. I’m the vocalist of ENDON. My responses to this interview are purely my own opinions. I think it would be wise to take it all with a grain of salt and not rely on it too much. It’s nice to meet you.

ENDON has been making music for some time now. How do you feel the Japanese extreme music scene has changed over the years?

Nagura: In summary, it does not seem like much has changed.

However, I do think that some genres and specific designs have improved the functionality for enjoyment and pleasure of its participants, including the artists themselves. Perhaps because of this, there seems to be more of a vertical division in the community. At times, it can be easy to get the impression that only passionate fans of a particular genre gather at a particular event. But in reality, it’s only natural for the number of people that listen to a variety of music to continue to increase. But simultaneously, it’s also true that at the level of a small scene like Japanese extreme music, more and more people seem to take on rigid demeanors and behave as though there is some sort of dress code. Of course, this isn’t always the case, but if this type of behavior continues to increase, I think it’s fair to say that the hurdle of holding crossover style events in extreme music has grown.

That’s a bit vague for me. So let’s take a look at the current state of affairs and pick out two specific trends that have improved functionality.

Firstly, “slam,” which was a style of brutal death metal, has naturally blended with deathcore and new school hardcore, resulting in palatable beatdown hardcore becoming all of the rage. I’m sure you’re aware of this as a global phenomenon, as there is now a growing momentum to produce more versions of these sorts of nerdy, niche styles.

In addition, as the second example, I think noise has become more and more popular in the last thirty years. It doesn’t only exist in so-called “extreme music” anymore, but has also become commonplace to use in popular music arrangements to create disturbing and explosive moments.

In the noise scene, it seems like the number of listeners has gone up but not so much the number of players.

I mentioned earlier that I think noise as a musical material is increasingly becoming more popular; I think that also means that there are an increasing number of artists who perform and create hybrid noise music, a sort of mixture of tech and industrial noise.

I think these two trends of musical design are examples of improving functionality for enjoyment. As such, both have become topics of conversation on social media about masculine dominated music fields.

Another note is the ongoing treatment of “emo,” which is an issue amongst not just the slam and noise scenes I mentioned earlier but also noise-based artists who I think have their own way of distancing themselves from it, whether consciously or otherwise. From what I can see, for example, a spectrum has manifested with Merzbow on the far left and moreru on the far right.

Also, what is kind of sad to me, is that grindcore as a testing ground for musical innovation seems to not be as popular anymore.

Well, in any case, the standard for being avant-garde under the banner of extreme music has been raised.

Do you feel like international perception of Japanese music has changed over the years? How does this influence musicians in Japan?

Nagura: I’m only ever abroad when I’m on tour, so I can’t speak too much to the international perception of Japanese music.

However, when you look at someone like Lil Uzi Vert, it seems like the image derived from anime is stronger than the music itself. I think that many artists who make music in Japan look at artists from other larger countries who enjoy such Japanese content, and reproduce and direct that into their own art. You can say that they “become an otaku.” Whether it’s the first time or the second time, mild or severe, it can seem lacking in principle at first glance. Depending on whether it’s a major observable expression, or whether there is a certain number of collectors, I think the visibility of this reproduction and the degree of discretion as to which parts of the genre qualitatively or quantitatively expand in their own direction is subject to change.

In any case, if we’re serious, I think the most important thing is to discover the uniqueness of your own work. More than an invention, I think, and more of a rediscovery.

ENDON at El Nino, by Toshimura

How did ENDON start?

Nagura: ENDON originally had three noise members. One of them was Taro’s younger brother, who was a turntablist, but he left the band soon after. At the time, I was considering starting a virtual band for Load Records that had high improvisational potential. Eventually, I had a strong desire to improve the overall functionality of noise music. In order to do that, I thought the only way would be to have a really strong guitarist who could play rock, black metal, and jazz as well as a good understanding of modern music and dance music. It seemed as though somebody in the world could be that person, but the crazy part is that he wasn’t actually that far away. So I asked Koki to join. At first he declined, but he joined a few years later. At that time, I remember him describing ENDON as “the best place to play guitar in the moment.” Perhaps, because of that, the initial songs were eclectic, with collective improvisation and composition switching rapidly in the style of extreme music. I think Koki has placed more importance on composition in the recordings since then with the current line up. I also think that the atmospheric sounds he produces since the band became a three piece are a real highlight.

Also, I think it’s worth noting that Taro started MASF under the pretext of producing equipment to be used in ENDON, and that it actually sold better than ENDON did. He thinks about sound itself more decisively than the acoustic side of the group, and I think that’s what makes the songs of the three person lineup rise to the limit just before collapse. Koki addressed this as “organic music using inorganic materials.”

ENDON is involved with a lot of different kinds of events around Tokyo. Is there a specific scene you feel like you gravitate to?

Nagura: I think it means that we have friends in almost every scene. Still, I think the fact that all three of us go out so much means that it’s some kind of experimental scene. I think that’s what ENDON is all about. Personally, I think of it as experimental rock music. However, there is no such scene in Japan that can be collectively categorized with that sort of description. So rather than a specific scene in Japan, I think of it as a lineage of experimental rock music that has been ubiquitous all over the world. But it’s not a lie to say that I feel a little closer to people who play harsh noise.

ENDON's music is very intense. What kind of music do you like to listen to? What are Endon’s influences?

Nagura: There was a time when we would reach into that shelf and buy any music that was loud. There are too many things we listened to and were influenced by over our career to mention them all. But, when the label asked us about the influences we had while making Fall of Spring, we had a list that we answered with so I’ll share that here. This is a list that Koki put together. By the way, when I mentioned the title Fall of Spring, the first thing he mentioned was Stravinsky’s “The Rite of Spring.”

Godflesh "Cold World"

Ministry “Reload”

Iannis Xenakis "Persepolis #4"

Throbbing Gristle “Maggot Death-Studio” and "Maggot Death-Southampton"

The Peter Brötzmann Octet "Machine Gun"

Kalen Dalton "It's Alright"

Langgaard "Music of the Spheres, BVN 128: I. Like Sunbeams on a Coffin Decorated with Sweet Smelling Flowers"

Patty Waters "You Thrill Me"

Tormis "Our Shadows"

Stravinsky (The Rite of Spring by Pierre Boulez & The Cleveland Orchestra) “Rodes Printanieres”

Tim Hecker "Introducing Carl Cocks"

Bruce Gilbert "Here Visit"

Rudimentary Peni “Brown Jenkin” and "Zenophobia"

Depeche Mode “To Have and To Hold”

Marc Almond "Memorabilia '91"

ENDON at El Nino, by Toshimura

ENDON had a big year with the release of Fall of Spring. How are you feeling about 2025?

Nagura: Thank you. Well, I think we will probably release a cassette called Time To Dress Reality, which will only be sold at venues at the beginning of the year, shortly before this interview is published. It’s more concrete, or more metallic, than Fall of Spring. We’ll also be performing at Roadburn 2025 in April. We’re also planning to do an European tour for about a week in connection with the festival. After that, a few live shows in Japan and then I’ll be happy if we can begin working on a new album.

Fall of Spring marked the longest period between releases for ENDON. How was the writing process?

Nagura: I don’t know how long it took Koki to conceptualize the framework, but I think the idea came into his head as soon as Shin, who was the drummer, quit. So I’d guess it probably has existed since 2021. It’s just a guess, haha, but I don’t think it was necessarily composed slowly, although undoubtedly it took a lot of effort. The recording process itself with the three of us was very fast. Taro is a master, so I think it was all recorded in one take.

Was this your first time writing as a three piece? What kind of experience was that?

Nagura: Like I mentioned earlier, apart from the eclectic songs at the very beginning, we’ve been composing according to the frameworks Koki laid out. It’s a lot easier than when we were a five piece. I can’t remember songs like “Nerve Rain” at all, haha. Rather than referring to this one as something that could be done by just three people, it’s actually my favorite album. I’d like to tell myself that it was great to be involved in the radical No Wave that I dreamed about doing back in the day, haha. I think that with this change in style, I feel like I’m more of an actor than ever before.

You use the expression, "Made in Occupied Japan" to describe Fall of Spring. What do you mean by this?

Nagura: I should make a disclaimer that this expression is probably a topic that the other two members are not particularly interested in, and it’s just my thing. Anyways, I did not mean to suggest that the phrase “Made in Occupied Japan” can express the general cultural attitude of modern Japan. Moreover, what I wanted to suggest is something that is at a stage before “resistance” or “anti-Americanism.” The reason I used the historical mark “Made in Occupied Japan,” an anachronistic idiom that no one pays attention to anymore, is to encourage people to be conscious of the structure of the place they live and the historical awareness surrounding it. The intention is to emphasize that it is not wise to deny the facts or stop thinking about them.

I will try to answer as briefly as possible. There are a few points that need to be explained first. First, as you know, the phrase was required to be stamped on Japanese goods exported to the United States at the time. For example, tin. Of course, I’m talking about bringing up goods made from this material in metaphorical relation to the specific music genre “metal,” but tin toys were a popular expert item even before the war because they were cheap and “had interesting movement.” The time period is different, but it’s like looking at a band. Under the occupation after Japan’s defeat in World War II, such markings were made mandatory by the GHQ.

When the San Francisco Peace Treaty came into effect in 1952, it is said that Japan’s sovereignty was restored and the country was redeemed to the international community. However, at the same time, the Japan-US Security Treaty was concluded, and the presence of US troops in Japan was unavoidable, and this is true to this day. Moreover, we must not forget that Japan did not sign this peace treaty with all countries. It was with the so-called Allied Powers. And the subsequent story is different according to the East or the West. For example, Germany products during the Cold War were required to be stamped with “USSR OCCUPIED GERMANY” or “GERMANY US ZONE,” but for us “Made in Occupied Japan” is a situation that survives in a very strong and ambiguous form, without any stamps or direct rule. And even today, I think “Made in Occupied Japan” is not just nonsense, at least in the act of forming a band. If Japan, a unique imperialist country, had not lost the war and experienced such a faith in imported music such as oldies, Elvis, The Beatles, and The Rolling Stones, bands like ours would not exist. This is irreversible and we have no time to deal with hypotheticals. While there is no doubt that a world in which the largest nations and capital openly collude, a world where Elon Musk might buy out TikTok, is ugly, the situation is not going to suddenly change tomorrow. Rather than reflexively thinking about what we should resist, I think we should understand the past and its structure in order to think about the future. I’m personally conscious of such a narrative.

One of the track titles from Fall of Spring is aptly called “Time Does Not Heal.” Now that the album is out, do you think it has allowed you to heal at all?

Nagura: I don’t think so. It’s not so much a song about the changes of a grief response to the loss of a family member, nor, how they fade away. It’s not a song about a specific event, it’s just a sketch of a fragment of a mood that I’ve always felt. I’m not sure what to say, but I don’t have an autonomous image of myself, at least in the sense of being a master in control of myself, so I guess the honest answer is “I don’t know.” But I don’t personally feel any relief after releasing Fall of Spring.

Does ENDON have any plans to tour?

Nagura: I’d like to do it as much as possible. It’d be great to get to America again as well.

ENDON at El Nino, by Toshimura

2007年以来、日本の東京で活動するENDONはエクストリーム・ミュージックの新しい波を開拓してきた。 「現代のエクストリーム・ミュージックに決定的な更新をもたらす」ことを目的にスタートした彼らの音楽は、容赦なく過酷でありながらも、極めてエレガントである。 エクストリーム・ミュージックとエクスペリメンタル・ミュージックの歴史が最も豊かであると言っても過言ではないこの国で、彼らは自らの居場所を切り開き、東京で開催される様々なイベントへの先陣を切っている。 2020年、バンドは大切な友人でありメンバーでもあった那倉悦生を失うという悲劇に見舞われた。 そして2024年、前作から6年という、これまでで最も長いリリース間隔を経て、このスーパーグループは『Fall of Spring』を発表した。 私は那倉太一に、彼らの作品、日本の音楽シーン、そして最新アルバムについて話を聞く機会に恵まれた。 

ENDON at Leave Them All Behind 2023, by Toshimura

自己紹介をお願いします。

那倉太一: 那倉太一と申します。ENDONのボーカルです。このインタビューにはあくまで私個人の所感としてお応えします。戯言程度に受け止めて、あまりあてにしないのが賢明かと思います。よろしくお願いいたします。

ENDONは2007年からやっていますね。その時から日本のエクストリームミュージックシーンはどう変わりました？ぜんぜん変わったと思いますか？

那倉：結論から言えば大した変化はないという印象です。

しかし、いくつかのジャンル、または特定の意匠が、アーティスト自身を含むお客さんが、楽しみ、享楽するための機能性を向上させたという面があるとは思いますね。それもあってか現場の縦割りは進んだようにも見えます。ときには、そのジャンルの現場にはそのジャンルの熱心なファンのみが集まっているかのように錯覚してしまいそうになることもありますね。でも、実際的には様々な音楽を消費するリスナーは増えていくのが当然のことわりなんですよ。でも、小さい日本のエクストリーム・ミュージックの現場レベルでは、自らを律するかたちで、ある種のドレスコードがあるかのように振る舞う方が増えたように見えるのも事実ですね。無論全員が全員そうというわけではないものの、そのような消費行動が増加すれば、エクストリーム・ミュージックにおけるクロス・オーヴァーなイヴェントを催すハードルは上がったと言えると思います。

うーん、あやふやな物言いですね。じゃあ、試しに、機能性を上げた特定の意匠を2つ挙げて世相に一瞥してみましょうか。

1つは、ブルデスの一つのスタイルだったスラミングがデスコアやニュースクール・ハードコアと自然に混交を進めていき、機能的なビートダウン・ハードコアが大いに盛り上がっていること、また、もはや、それらのナード版を製作する機運も高まっていることは世界的な事象と言えるのはご存知かと思います。

くわえて、例をあげれば、ノイズ・ミュージックは、ここ30年くらいでマテリアルとして、その登場場面を大きく増やしたかと思います。それはいわゆるエクストリーム・ミュージックにおいてのみならず、ポピュラーな音楽においても不穏や炸裂のアレンジのために象徴的に用いることはもはや当たり前になりました。これが２つ目の例です。

いわゆる、ノイズ・ミュージックの界隈に関しては、リスナーが若干ですが増加したように思いますね。プレイヤーに関してはあまり増えていないと思います。

さきほどノイズが素材としての登場場面を増やしたと申し上げましたが、それはテクノイズとかインダストリアル・ノイズなどのミクスチャーと言いますか、混交型のノイズ・ミュージックのプレイヤーが増えたということでもあると思います。

さきほども申し上げた通り、この2つの意匠に関する動向は享楽に対する機能性を向上させた実例だと思います。そうなると、どちらも現場のお客のマスキュリンな享受のスタイルについてSNSでトピックにあがるようになりました。

あとは「エモ」の扱いですね、これは先ほど申し上げたスラミングやノイズ・ミュージックの動向においても問題となるのですが、騒音主義的な音楽の製作に携わるアーティストは、たとえ自覚的でなくとも、そのアーティストなりの「エモ」との距離の取り方を発現させている場合が多いように思えます。わたしの目の届く範囲では、たとえば、左端の方にMERZBOW、右端の方にmoreruが位置するようなスペクトラムが顕現化する、といった具合にです。

あと、体感として寂しいのは実験場としてのグラインドコアが下火になったことでしょうか。

まあ、とにかくエクストリーム・ミュージックという名の下に前衛的な印象を与えるハードルも上がった、ということです。

日本の音楽の国際イメージは年月かけてよく変わったと思いますか？日本のミュージシャンにはそれはどう影響しますか？

那倉：わたし自身がツアーでしか海外に出ない人間なので、日本の音楽の国際的なイメージについては正確には語れませんね。

たとえば、Lil Uzi Vertなんかを見たときには、すくなくとも音楽よりも、アニメとか、そこから派生するイメージの方がより強力だということが認識できるかと思います。日本で音楽をつくるアーティストにおいても、やはりそういった日本のコンテンツを享受する大国のアーティストを見て、再生産、また、自身のアートのディレクションをしている方も多いと思います。「オタクに成る」というか。もうそれは初めてだろうが何度目だろうが軽かろうが重篤だろうが一見節操なさそうに見えるほどにです。ただ、観察できるほどにメジャーな表現なのか、または一定数のコレクター市場があるのかどうかで、その再生産の可視化も、ご自身のディレクションとして、質的、量的にジャンルのどの部分を肥大化させるかの裁量の度合いも変わってくると思います。

しかし、なんであれ、少し真面目な話をすれば、肝要なのは自身の産出するプロダクトの固有性の発見だと思います。発明というよりはですね。もっと言えば再発見というか。

ENDON at El Nino, by Toshimura

ENDONはどう始まりましたか？ENDONの原点を教えてください。

那倉：ENDONは当初はノイズ要員が3人いました。そのうちの1人はターンテーブルでタローの弟でしたが早々に脱退しました。その時点では、私的にはLoad Recordsのなかでも即興性の高いバンドをまず仮想的にこしらえて頭をめぐらせていました。そのうちに、それこそノイズ・ミュージックの機能性を高めるという欲望を強く持つことになりました。そのためにはロックもブラックメタルもジャズも弾けて、現代音楽もダンスミュージックもよく理解しているギタリストに入ってもらうしかないと考えました。そんな奴がこの世にいるのかって感じですが、恐ろしいことにまんまとそう遠くないところに存在したわけですね。そこでコーキに要請をしました。最初は断られましたが何年後かに加入する運びとなったわけです。その時彼は「現状、最もギターを弾くことができる場」としてENDONを評していたような記憶があります。それもあってか、当初は集団投射的なインプロとコンポーズの場面がエクストリーム・ミュージックの作法で切り替わるタイプの折衷主義的な楽曲でした。その後にリリースされた音源や現編成での楽曲においては、よりコーキは作曲にインポータンスをおくようになったと思います。また、3人編成になってからの彼のアレンジする音による空間装飾は白眉だと思いますね。

　また、ENDONで使用する機材を製作するという名目のもとにタローくんがMASFを立ち上げ、またそれがENDONよりも早々に売れたことも特筆すべき点だと思いますね。彼は音響派よりももっときっぱりと音そのものを考える面があってそこがまた3人体制の楽曲が瓦解寸前の限界を目指す１つのファクターになっているような気がします。そのことを私たちは「無機質なマテリアルを使用した有機的な音楽」と言っています。

ENDONは東京でよく色々なイベントに参加するそうです。例えばメタルバンドとかノイズとかhardcoreバンドとかエレクトロDJとやります。特定のシーンに興味がありますか？ENDONは特定のシーンに属しないと思いますか？

那倉：だいたいどのシーンにも友人がいるということなんだと思います。それでも3人とも出向いて行くのが多いのはなにがしか実験的なシーンだと思いますね。ENDONとしてもそういうことだと思います。個人的にはこれは実験的なロック・ミュージックなんですね。しかし、そのような言葉で集団的にくくることのできるシーンは少なくとも日本にはありません。なので、日本におけるシーンというよりは、世界的に連綿と遍在してきた実験的なロック・ミュージックの系譜として認識しています。でも、ハーシュ・ノイズ鳴らしてるだけで少し親近感を感じるというのも嘘ではないですね。

ENDONの音楽は本当に面白くて強いです。どんな音楽を聞くのが好きですか？ENDONは何の影響を受けましたか？

那倉：とにかくうるさい音楽ならなんでもその棚に手を伸ばして買い漁る時期がありました。聴いたものや影響を受けたものを、私たちの全キャリアを対象にすると、枚挙にいとまがありませんね。あーでも、今回のアルバムを製作するにあたって影響を受けたものをレーベルから尋ねられて答えたリストがあるのでここで共有しましょうか。これはコーキがリストアップしたものです。そう言えば、わたしがFall of Springというタイトルを言ったときにまっさきに彼はストラヴィンスキー「春の祭典」からの影響について言及していましたね。

Godflesh "Cold World"

Ministry “Reload”

Iannis Xenakis "Persepolis #4"

Throbbing Gristle “Maggot Death-Studio” and "Maggot Death-Southampton"

The Peter Brötzmann Octet "Machine Gun"

Kalen Dalton "It's Alright"

Langgaard "Music of the Spheres, BVN 128: I. Like Sunbeams on a Coffin Decorated with Sweet Smelling Flowers"

Patty Waters "You Thrill Me"

Tormis "Our Shadows"

Stravinsky (The Rite of Spring by Pierre Boulez & The Cleveland Orchestra) “Rodes Printanieres”

Tim Hecker "Introducing Carl Cocks"

Bruce Gilbert "Here Visit"

Rudimentary Peni “Brown Jenkin” and "Zenophobia"

Depeche Mode “To Have and To Hold”

Marc Almond "Memorabilia '91"

ENDON at El Nino, by Toshimura

ENDONは今年Fall of Springを出しました。おめでとうございます。私はFall of Springが凄くて2024album of the yearだと思います。2025年はどんな感じですか？ENDONはどんな予定がありますか？

那倉：ありがとうございます。そうですね、おそらく、まずこのインタビューが公開される少し前の年始にTime To Dress Realityという2曲入りの会場限定販売のカセットをリリースしているはずです。Fall of Springに比べると具象レベルが高くよりメタリックなものです。あとは4月にRoadburn 2025に出演しますね。それに絡めて1週間程度のユーロツアーを行う予定です。あとは数本国内でライブをやって次のアルバムの製作に入れれば安泰ですね。

Fall of SpringはENDONの6年以前アルバム出したあとでアルバムです。長い期間ゆっくりで作曲はどうでしたか？

那倉：コーキがレギュレーションの製作にどれくらいの期間を要したかはわたしにはわかりませんが、ただ、構想はドラマーだったシンさんがやめてすぐに頭のなかにあったのだとは思いますね。だから、おそらく2021年くらいには存在していたんじゃないでしょうか。憶測ですが(笑) 労力はかけただろうけどゆっくり作曲したわけではないと思いますね。それも憶測ですが(笑)あと、3人での録音の作業自体も非常にファストなものでしたね。タローくんなんて巨匠なんで全部1発録りなんじゃないでしょうか。

Fall of Springは三人のプロジェクトです。これまでENDONは三人だけで作曲したことがありますか？どうでしたか？難しかったですか？

那倉：さきほど言及した通り、極初期の折衷主義的な楽曲以外はコーキが作曲したレギュレーションに沿って製作しています。5人の時に比べたらかなり楽ですね。「Nerve Rain」とか絶対覚えられない(笑) 今回のは「3人でもできた」というより私的には積極的に一番好きなアルバムですね。昔やりたいと夢想してたような過激なNo Waveにたずさわれてよかったね、と過去の自分に言ってあげたいです(笑) また、今回から言葉を喋れるようになったことや、こういった作風になったことで、今までよりも、お芝居をしている気分が高まったように思いますね。

Fall of Springではナグラさんが”Made In Occupied Japan”のことわざを使っています。どんな意味ですか？

那倉：ことわりをいれておくと、この表記はおそらく他の2人は大して興味のないトピックといいますか、わたしの領分で勝手にやらせてもらっていることなのかもしれません。まあ、とにかく、なにも、”Made in Occupied Japan "という言葉で現代日本の一般的な文化的態度を表現できると言いたかったわけではありません。しかも、私が示唆したかったことは「抵抗」とか「反米」を表明するよりも手前の段階の話です。もはや誰も気にも留めないようなアナクロな慣用句である"Made in Occupied Japan “という歴史上の刻印を今回使用した理由は、自分たちが生きて身を置く場所の構造とそれにまつわる歴史認識について、否認、もしくはファクトの精査ができないから思考停止するという態度は賢明ではないということを促す意図からです。

なるべく簡潔にお答えするよう心がけましょう。いくつか説明が必要な点があります、１つは、みなさんご存知の通り、本来的な意味で、この文言が、当時、アメリカに輸出される日本の工芸品に刻印することが義務付けられていたということ。例えば、ブリキ、もちろんこの物質による工芸品を持ち出すのは、特定音楽ジャンルの「メタル」に引き寄せてお話ししていますが、ブリキのおもちゃは戦前から安価で「動きが面白い」ことで輸出品の花形でした。戦前戦後と時代はちぐはぐになりますがなんかバンドに対する目線みたいですよね。まあ、とにかく、第二次世界大戦敗戦後の占領下においては、そのような刻印がGHQによって義務付けられたという経緯がありますね。

そして、この文言は1952年のサンフランシスコ平和条約が発効されると刻印されなくなり、この条約によって日本は主権回復して、国際社会に復帰したとされています。でも、それと同時に日米安保保障が締結され日本は米軍の駐留が避けられないこととなって今日まで来たわけですよね。しかも、日本はこの平和条約を全ての国と結んだわけではないということも忘れてはなりません。いわゆる連合国とのお話しです。それで、またそのあと辿る話として東西でも違うわけですよ。例えば、冷戦期のドイツ製品には、”USSR OCCUPIED GERMANY “とか”GERMANY US ZONE”という刻印が義務づけられたことがありますが、私たちにとっての"Made in Occupied Japan “という状況はそれとはかなり違う形で刻印や直接的な統治こそないものの随分と強く曖昧な形で生き残っていると思います。文化的に言えば明白なことですよね。そして、今日も”Made in Occupied Japan “のイマジネーションは少なくともバンドをやるという行為においては単なる戯言では済まされないと思います。特殊な帝国主義であった日本が戦争に負けてオールディーズやプレスリーやビートルズやストーンズに発狂するような舶来信仰を経験しなければ、私たちのようなバンドは存在しません。これは不可逆なことで仮定法に付き合っている暇はないのです。TikTokをイーロン・マスクが買収するかもしれないという最大の国家と資本があけすけに共謀する世界なんてどう考えても醜悪なのは間違いない一方で、その状況がいきなり明日変わるということもないわけです。何に抵抗するかを反射的に語るより、過去と構造を理解してこれからの私たちを考えるべきだと思います。そういったナラティヴも私個人としては意識しました。

Fall of Springの中に”Time Does Not Heal”という歌があります。だけどFall of Springを出したあとでhealをするの始められると思いますか？リリースしたから気持ちがすっきりしましたか？

那倉：そうは思いませんね。これは何も身内の喪失体験に対しての悲哀反応がどう変化するか、悪く言えば風化するか、という話題でもありません。特定の事象に対しての歌ではなく、わたしがもともとそういうものだと感じている気分の断片をスケッチしたに過ぎません。なんと言ってよいかわかりませんが、わたしは人間に対して、少なくとも自分自身に対して、自分が自分の支配者であり、統御できる、という自律的なイメージを持っていないので、まあ、「わからない」というのが正直なところでしょうか。えーと、あとは、Fall of Springをリリースしたあとにすっきりしたなどという気持ちもほとんどありませんね。

ツアーしますか？アメリカに帰りますか？

那倉：なるべくしたいですね。アメリカにも行ければいいですね。

ENDON at El Nino, by Toshimura